Artisanat, savoir-faire, folklore : ces notions reprennent le haut du pavé de l’art contemporain dans cette exposition qui défait les principes de hiérarchie dans l’art. Fait main / Hand Made présente ces pratiques en explorant l’art populaire, de l’art brut, du pop surréalisme, mais aussi de la technologie.
De Vancouver à Halifax, une quarantaine d'artistes canadiens seront réunis dans cette exposition à grand déploiement. Fait main / Hand Made promet un parcours éclaté, un regard sur tout un pan de la production contemporaine au Canada.
L’exposition traversera un large éventail de pratiques, de la sculpture sur bois jusqu’à la courtepointe, en passant par la céramique et la broderie. Au menu : une chaise sculptée dans le papier journal, des objets couverts de tricots, des vidéos textiles et de l’impression 3D! À travers les procédés artisanaux mis en œuvre, la maîtrise de la matière sera à l’avant-scène. Au final, il sera question entre autres, de la transformation du travail, de politique, de labeur et de loisirs.
artistes participants
Anne Ashton
Anne Ashton est née en 1958 à San Diego en Californie. Elle a obtenu en 1982 un diplôme de premier cycle en arts visuels et littérature à l’Université d’État de San Diego, bonifié d’études à l’Université de Californie à Santa Barbara. Depuis 1985, elle vit et travaille dans la région montréalaise. Sa pratique recoupe la peinture, l’installation et le dessin. Elle cherche à provoquer une réflexion sur la vulnérabilité et la puissance de la nature. L’artiste présente régulièrement son travail au Canada et aux États-Unis. Elle a exposé à Oboro à Montréal (2004), au Musée régional de Rimouski (2007), à Pleinsud, centre d’exposition en art actuel à Longueuil (2010) et au Musée national des beaux-arts du Québec (2017). Son travail se retrouve dans les collections de nombreuses institutions à travers le Canada, dont le Musée national des beaux-arts du Québec, la Banque d’art du Conseil des arts du Canada, le Musée régional de Rimouski et la Tom Thomson Memorial Art Gallery.
Jonathan Bergeron
Jonathan Bergeron est un peintre, un artiste de rue et un illustrateur né à Montréal en 1973. Inspiré d’abord par la culture du skate et du punk rock, il fait ses débuts artistiques en tant que graffeur sous le surnom ZEN. Il se perfectionne ensuite de manière autodidacte dans le domaine de la peinture à l’huile. Bergeron, alias Johnny Crap, s’est fait une renommée dans les cercles de la kustom kulture et du lowbrow en élaborant une imagerie fréquemment publiée dans les revues The Horse BackStreet Choppers, Car Kulture Deluxe et Ol’ Skool Rodz. Il développe ensuite un univers pop surréaliste tournant autour de la figure du calavera (tête de mort), des ordures puis des forces de la nature. En plus d’exposer ses tableaux en galerie, Bergeron produit des illustrations pour plusieurs groupes de musique rock, dont Avenged Sevenfold, Black Label Society, Slayer, Anthrax, Guns N’ Roses et Pearl Jam). Bon nombre de ses illustrations ont été sélectionnées par différentes publications américaines et canadiennes.
Carl Bouchard
Né à La Baie en 1967, Carl Bouchard détient un baccalauréat (1990) et une maîtrise (2014) de l’Université du Québec à Chicoutimi. Il s’intéresse aux mécanismes psychiques et affectifs de l’être et s’engage à les dévoiler par le biais d’une pratique multidisciplinaire empreinte de sensibilité. Il est président et membre fondateur du centre d’artistes Le Lobe (1993). Ayant travaillé plus de quinze ans en duo avec l’artiste Martin Dufrasne, Bouchard a à son actif une trentaine d’expositions individuelles. Il a aussi participé à plus de quatre-vingts expositions collectives et festivals au Canada et à l’international. En plus d’exposer au Musée d’art contemporain de Montréal (1997), au Musée national des beaux-arts du Québec (2001, 2003, 2008), au Musée régional de Rimouski (2006), au Musée d’art de Joliette (2007) et au Musée d’art contemporain des Laurentides (2008), il a pris part à la Manif d’art de Québec (2000, 2008, 2014) et à la Biennale de Liverpool (2010). Bouchard est lauréat du Prix du CALQ – Créateur ou créatrice de l’année au Saguenay–Lac-Saint-Jean (2014). Ses œuvres ont été acquises par de nombreuses collections publiques et privées au Canada.
Nathalie Bujold
Artiste multidisciplinaire vivant et travaillant à Montréal, Nathalie Bujold est née en 1964 à Chandler en Gaspésie. Après s’être jointe à L’œil de poisson à sa fondation en 1985, elle termine un baccalauréat à l’Université Laval, à Québec, en 1992 et remporte le prix René-Richard. Diverses expositions et résidences l’ont menée en Italie, en Colombie, au Liban, en Suisse et en France. Ses monobandes ont été présentées dans des programmes monographiques au Groupe intervention vidéo, à Vidéographe, à Pleasure Dome et, en collaboration avec Vidéochroniques et à l’invitation d’Heure exquise!, au Palais des beaux-arts de Lille. En plus d’exposer à la Cinémathèque québécoise de Montréal et à Vidéochroniques à Marseille, elle a participé au Symposium des Îles-de-la-Madeleine, au Sympo-fibres international de Saint-Hyacinthe, au Festival Akousma, au Festival international du film sur l’art, au Festival international de musique actuelle de Victoriaville, à la 2e Biennale internationale d’art numérique (BIAN), aux Rencontres internationales des arts multimédia (RIAM) à Marseille, au festival Phos et au volet arts médiatiques des Perséides en Gaspésie. Bujold est lauréate du Prix à la création artistique du Conseil des arts et des lettres du Québec (2008). Elle a récemment terminé une maîtrise à l’Université du Québec à Montréal (2016). Elle est représentée par la galerie Ellephant, à Montréal.
Mark Clintberg
Mark Clintberg est un artiste qui travaille également dans le champ de l’histoire de l’art. Il s’intéresse aux pratiques artistiques collaboratives et affectives. Né à Edmonton en 1978, il obtient son baccalauréat au Alberta College of Art and Design en 2001, puis termine une maîtrise (2008) et un doctorat (2013) en histoire de l’art à l’Université Concordia de Montréal. En plus de participer à une trentaine d’expositions individuelles et collectives au Canada, aux États-Unis et en Europe, Clintberg a été finaliste du prix Sobey pour les arts en 2013 et retenu dans la liste préliminaire de ce prix en 2016. Il a aussi été en nomination pour la Médaille d’or du Gouverneur général du Canada pour sa thèse doctorale. Ses œuvres sont intégrées aux collections du Musée des beaux-arts du Canada, du Conseil des arts d’Edmonton, de la Banque de Montréal, de la Banque TD et de l’Alberta Foundation for the Arts. Clintberg vit et travaille entre Montréal et Calgary, où il enseigne au Alberta College of Art and Design. Il est représenté par la galerie Pierre-François Ouellette art contemporain, à Montréal.
Marie Côté
Née à Montréal en 1955, Marie Côté façonne l’argile sur le tour depuis plus de trente ans. Ses préoccupations artistiques se nourrissent de l’héritage millénaire de la poterie et des potentialités sculpturales offertes par l’intervention directe du geste sur la matière fluide. Après des études en céramique à la Banff Centre School of Fine Arts, Côté obtient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia, à Montréal (1982-1985). Elle poursuit un stage de perfectionnement en Angleterre, à Liverpool Polytechnic (1985-1986), et effectue une résidence d’artiste à Inukjuak, au Nunavik (2011). En plus d’exposer ses œuvres dans plusieurs galeries au Québec ainsi qu’en France et en Syrie, elle participe à des événements importants comme l’exposition Visions 91 lors des Cent jours d’art contemporain de Montréal, la Biennale internationale de céramique de Châteauroux (France) ou Artcité : quand Montréal devient musée, expo-événement tenue par le Musée d’art contemporain de Montréal. Ses œuvres font partie de collections tant privées que publiques, comme celles du Musée d’art contemporain de Montréal, de Loto-Québec, du Musée national des beaux-arts du Québec (collection Prêt d’œuvres d’art), du Musée régional de Rimouski et de la Raphael Yu Collection of Canadian Ceramics du Musée Gardiner de Toronto. Côté vit et travaille à Montréal.
Patrick Coutu
Né à Montréal en 1975, Patrick Coutu détient un baccalauréat en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal (1997) ainsi qu’une maîtrise de la Glasgow School of Art et de l’Université Concordia de Montréal (2005). Son travail interroge les manières dont la nature se construit et s’inspire des recherches visant cette compréhension, entre autres par les mathématiques. Il a participé à bon nombre d’expositions prestigieuses, tant individuelles que collectives, au Québec et au Canada. De ce nombre, nommons Œuvres spatiales au Musée national des beaux-arts du Québec (2002) ainsi que Chute et C’est ce que c’est au Musée des beaux-arts du Canada (respectivement en 2008 et en 2011). La Galerie René Blouin et le centre d’artistes Galerie B-312 à Montréal, l’Espace virtuel à Chicoutimi et L’écart... lieu d’art actuel à Rouyn-Noranda lui ont également consacré des expositions individuelles. Ses œuvres se retrouvent dans les collections du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée d’art contemporain de Montréal et du Musée national des beaux-arts du Québec. Lauréat du prix Pierre-Ayot décerné par la Ville de Montréal en 2007, Coutu vit et travaille à Montréal. Il est représenté par la Galerie Division.
Myriam Dion
Née en 1989, Myriam Dion se distingue par ses découpages méticuleux de papiers journaux en dentelles raffinées. Elle a terminé son baccalauréat en 2012 et sa maîtrise en 2014 à l’Université du Québec à Montréal. Depuis, son travail a fait l’objet d’expositions individuelles à Montréal, à la Maison du développement durable (2013), à la Galerie Division (2014 et 2017) et à Arprim, centre d’essai en art imprimé (2016), ainsi qu’à Québec, à L’œil de poisson (2017). Elle a également participé à plus d’une vingtaine d’expositions collectives au Canada et en Europe. Elle est lauréate du prix Diagonale (2012), du Prix d’excellence Robert-Wolfe (2012) et du Post-Residency Award du Banff Centre for Arts and Creativity (2016). Les œuvres de Dion se retrouvent notamment dans les collections d’Affaires mondiales Canada, de Loto-Québec, de la Banque TD et du Musée national des beaux-arts du Québec (collection Prêt d’œuvres d’art). Elle vit et travaille à Montréal, où elle est représentée par la Galerie Division.
Jean-Robert Drouillard
Né à Chatham en 1970, Jean-Robert Drouillard passe toute son enfance à Gaspé. Il termine ses études en littérature québécoise et création littéraire à l’Université Laval, à Québec, en 1994, puis une technique en sculpture à l’École-atelier de sculpture de Québec en 2000. Il enseigne à la Maison des métiers d’art de Québec depuis 2004. Drouillard compte à son actif de nombreuses œuvres d’art public ainsi que des expositions solos à la Galerie Orange, à la Galerie Lacerte art contemporain, à l’Espace virtuel, à Circa art actuel et au Musée des beaux-arts de Sherbrooke. Il a participé au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul en 2010 et à la Biennale de sculpture de Saint-Jean-Port-Joli en 2012. Il a été finaliste du Prix en art actuel du Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ) en 2013. Son travail a été sélectionné en 2014 pour la Manif d’art 7 au MNBAQ. Ses œuvres font partie des collections des villes de Montréal et de Québec, du MNBAQ et de collections privées. Drouillard vit et travaille à Québec. Il est représenté par la galerie Art Mûr.
Sébastien Duchange
Né en France en 1977, Sébastien Duchange a grandi dans la cité verrière de Saint-Gobain. Maître verrier formé au Centre européen de recherches et de formation aux arts verriers en France (1998-2000), il effectue ensuite un passage au Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques (CIRVA) à Marseille. Ses œuvres en verre soufflé à teneur conceptuelle et ludique ont été présentées à l’occasion de nombreuses expositions en Amérique du Nord et en Europe. Duchange a été deux fois finaliste au prix François-Houdé décerné par la Ville de Montréal en collaboration avec le Conseil des métiers d’art du Québec (2010 et 2011). Il est lauréat du prix Jean-Marie-Gauvreau du Conseil des métiers d’art du Québec (2015). Ses œuvres font partie de collections publiques et privées, notamment celles de la Fondation Claridge, du Musée des beaux-arts de Montréal, d’Espace Verre et de Malou Georges-Majerus au Luxembourg. Duchange vit et travaille à Montréal, où il a fondé l’atelier Sébomari avec Marie-Hélène Beaulieu. Il est représenté par la L.A. Pai Gallery à Ottawa et par la Galerie Elena Lee à Montréal.
Jean-Pierre Gauthier
Jean-Pierre Gauthier est né Matane en 1965. Détenteur d’une maîtrise en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal (1995), il produit des installations et des sculptures cinétiques et sonores. Il a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives au Québec, au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Asie. Sa pratique a été soulignée à l’occasion d’une rétrospective au Musée d’art contemporain de Montréal (2007), mise en circulation en Amérique du Nord jusqu’en 2010. Gauthier a remporté des prix prestigieux tels que le prix Sobey pour les arts (2004), le prix Victor-Martyn-Lynch-Staunton du Conseil des arts du Canada (2005) et le prix Louis-Comtois de la Ville de Montréal (2012). Ses œuvres font partie des collections du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée des beaux-arts de Montréal et de l’Art Gallery of Nova Scotia. Gauthier vit et travaille à Montréal depuis 1986 et y est représenté par la galerie Ellephant.
Cynthia Girard-Renard
Née à Montréal en 1969, Cynthia Girard-Renard remet en question les catégories hiérarchiques qui régissent traditionnellement les conventions artistiques de style et de technique, tout en s’en remettant à la satire sociale. Son langage pictural puise dans la culture populaire, les arts décoratifs et l’histoire de l’art. Elle détient depuis 1998 une maîtrise en beaux-arts du Goldsmiths College à Londres et expose activement au Canada et à l’international depuis plus de vingt ans. Girard-Renard a présenté son travail à l’occasion d’une soixantaine d’expositions individuelles et collectives au sein de centres d’artistes, de galeries et d’institutions muséales. Elle a effectué des résidences à Paris, à New York, à Berlin et à Londres. Ses œuvres font entre autres partie des collections du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec et de la Galerie de l’UQAM. Elle vit et travaille à Montréal et est représentée par la Galerie Hugues Charbonneau.
Carla Hemlock
Carla Hemlock est née en 1961 sur le territoire mohawk de Kahnawake. Artiste autodidacte, elle poursuit une pratique artistique professionnelle depuis 2000. Elle est devenue une figure reconnue de la scène artistique nord-américaine en concevant des œuvres textiles empreintes de codes visuels d’ordre sociopolitique. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment au Iroquois Indian Museum à Howes Cave (New York), au Museum of Arts and Design de New York, au Nerman Museum of Contemporary Art à Overland Park (Kansas), au Musée des maîtres et artisans du Québec à Montréal, au Smithsonian à Washington et à New York, au Peabody Essex Museum à Salem, au Massachusetts, et à la Maison de la culture Frontenac à Montréal. À l’international, elle a aussi participé à des expositions en France, en Allemagne et en Russie. Les œuvres de Hemlock font partie de plusieurs collections publiques, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Ville de Montréal, du Iroquois Indian Museum, du Seneca Art and Culture Center à Ganondagan (New York), du Minneapolis Institute of Art, du Nerman Museum of Contemporary Art, du Smithsonian National Museum of the American Indian et du Fenimore Art Museum (New York). Elle vit et travaille à Kahnawake au Québec.
Barb Hunt
Barb Hunt a obtenu, au bout de quatre années de pratique en studio, un diplôme en arts visuels de l’Université du Manitoba à Winnipeg (1982). Elle détient aussi une maîtrise de l’Université Concordia à Montréal (1994). Sa pratique textile se concentre notamment sur la violence et le deuil liés aux contextes de guerre. Son travail a été présenté à l’occasion d’expositions individuelles et collectives au Canada, en Angleterre, en Belgique, en Pologne, aux États-Unis, en Lituanie et au Mexique. Hunt est lauréate du President’s Award for Outstanding Research de l’Université Memorial de Terre-Neuve (2004). Ses œuvres sont incluses dans les collections du Central Museum of Textiles (Pologne), de la Rooms Provincial Art Gallery (St. John’s), du Seneca College (Toronto), du Agnes Etherington Art Centre (Kingston), de la Winnipeg Art Gallery et de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada. Considérant Winnipeg comme ses racines, Hunt partage son temps entre Terre-Neuve, où elle enseigne, et l’île de Vancouver, en Colombie-Britannique.
Richard Kerr
Richard Kerr est un cinéaste, un artiste visuel et un professeur né à Saint Catharines, en Ontario (1952). Reconnu pour ses expérimentations cinématographiques associées à l’Escarpment School depuis ses études en photographie au Sheridan College à Oakville (1979), Kerr a réalisé plus de trente films qui ont été projetés et collectionnés autour du monde. Ses films les plus reconnus sont Last Days of Contrition (1988) et Cruel Rhythm (1991). À partir des années 1990, Kerr s’intéresse à la matérialité du film et étend sa création à la sphère des arts visuels avec des installations métacinématographiques. Il a entre autres exposé à la McKenzie Art Gallery de Regina, à la Foreman Art Gallery de l’Université Bishop’s (Montréal), à la Cinémathèque québécoise (Montréal) et à l’occasion du Festival international du film de Toronto (2017). Les œuvres de Kerr font notamment partie des collections de la Galerie d’art de l’Université de Lethbridge, de la McKenzie Art Gallery, du McLuhan Centre for Culture and Technology, de l’Université de l’École d’art et de design de l’Ontario, du Musée des beaux-arts du Canada et de l’Art Gallery of Ontario. Il vit et travaille à Montréal, où il enseigne le cinéma expérimental à l’Université Concordia.
Guillaume Lachapelle
Guillaume Lachapelle est né à Sherbrooke en 1974. Diplômé en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal (1998), il développe une pratique sculpturale qui se déploie en installations et en modèles réduits. Lachapelle a présenté des expositions individuelles à la Galerie Reiter de Leipzig, au centre culturel Künstlerhaus Bethanien de Berlin, à la Galerie Edward Day de Toronto, à Circa art actuel et à la galerie Art Mûr de Montréal. Il a également participé à la Biennale nationale de sculpture contemporaine de Trois-Rivières (2016) et à des expositions collectives au centre culturel Bermondsey Project Space de Londres, à la galerie Art Mûr de Berlin, au Cornell Art Museum en Floride (2017), au Musée régional de Rimouski et au Musée des beaux-arts de Sherbrooke. Son travail a été présenté au Centre culturel européen, en 2015, à l’occasion de la Biennale de Venise. Ses œuvres sont incluses dans les collections de Loto-Québec, de la Ville de Montréal et du Musée national des beaux-arts du Québec (collection Prêt d’œuvres d’art). Il vit et travaille à Montréal et y est représenté par la galerie Art Mûr.
Cal Lane
Née en 1968, Cal Lane est connue pour ses transformations d’objets de métaux lourds en dentelles délicates. Originaire d’Halifax en Nouvelle-Écosse, elle a grandi à Saanichton en Colombie-Britannique. Après une formation en soudure, elle fait ses études en peinture au Victoria College of Art (1994) et en sculpture au Nova Scotia College of Art and Design (2001), puis obtient une maîtrise en sculpture de l’Université d’État de New York (2004). Elle a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives en Amérique du Nord et à l’international, notamment à la Grunt Gallery à Vancouver, à la Southern Alberta Art Gallery, à la Foley Gallery à New York, au Museum of Craft and Design à San Francisco, au Sharjah Art Museum aux Émirats arabes unis et à la 18e Biennale de Sydney en Australie. Elle habite et travaille maintenant à New York et est représentée par la galerie Art Mûr.
Guy Laramée
Artiste multidisciplinaire né à Montréal en 1957, Guy Laramée est reconnu pour ses livres sculptés en paysages évocateurs. Il est détenteur d’un baccalauréat interdisciplinaire (2000) et d’une maîtrise en anthropologie de l’Université Concordia de Montréal (2002) ainsi que d’une maîtrise en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal (2004). En plus d’avoir œuvré dans divers domaines, dont la composition musicale, notamment dans le groupe Tuyo qu’il a cofondé, il a présenté son travail en arts visuels lors d’expositions individuelles et collectives au Canada, aux États-Unis et en Europe. Ses œuvres font notamment partie de plusieurs collections publiques et privées, notamment celles de la Bowdoin College Library (Maine), de Bibliothèque et Archives nationales du Québec (Montréal), du Museum of Art and Design (New York), du Messner Mountain Museum (Italie), des bibliothèques de l’Université d’État du Michigan et de l’Université de Toronto (Mississauga), du musée de l’Université Yale (Connecticut), du Musée national des beaux-arts du Québec (collection Prêt d’œuvres d’art) et du Cameron Art Museum (Caroline du Nord). Laramée vit et travaille à Montréal. Il est représenté par la galerie JHB à New York.
Maclean
Originaire de Winnipeg (1969), Maclean entretient une pratique artistique explorant le paysage routier en diverses déclinaisons. Depuis l’obtention de son baccalauréat en arts visuels à l’Université du Manitoba en 1996, il a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives dans de nombreux centres d’artistes et musées à travers le Canada. Son travail pictural a été sélectionné pour faire partie du survol de la peinture canadienne organisé par la Galerie de l’UQAM en 2013, sous le titre Le Projet Peinture : un instantané de la peinture au Canada. Ses œuvres sont intégrées à la collection permanente et à la collection Prêt d’œuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec ainsi qu’aux collections de la Banque de Montréal, de la Banque Nationale du Canada et de la Banque Royale du Canada (RBC) (New York). Maclean vit et travaille à Montréal, où il est représenté par les Galeries Bellemare et Lambert.
Sarah Maloney
Née en 1965, Sarah Maloney est originaire de Toronto. Elle fabrique des objets inspirés de formes anatomiques et botaniques pour soulever des questionnements d’ordre sociopolitique liés aux théories du genre. Aujourd’hui membre de l’Académie royale des arts du Canada, elle a fait ses études en arts visuels au Nova Scotia College of Art and Design et à l’Université de Windsor. Maloney a remporté des prix des conseils des arts du Canada, de la Nouvelle-Écosse, du Nouveau-Brunswick et de l’Ontario. Elle a participé à plusieurs expositions solos et collectives au Canada et à l’international. Ses œuvres sont intégrées aux collections de la Galerie d’art Beaverbrook (Fredericton), de l’Art Gallery of Nova Scotia et de la Dalhousie Art Gallery (Halifax) ainsi qu’aux banques d’art des conseils des arts du Canada, de la Nouvelle-Écosse et du Nouveau-Brunswick. Maloney vit et travaille à Elmsdale, en Nouvelle-Écosse. Elle enseigne à la NSCAD University, à Halifax.
Paryse Martin
Paryse Martin est une artiste multidisciplinaire qui érige des univers imaginés aux propensions surréalistes dans une esthétique baroque. Née en 1959 à Caribou, dans le Maine, elle effectue son baccalauréat et sa maîtrise à l’Université Laval, à Québec, puis un doctorat en études et pratiques des arts à l’Université du Québec à Montréal (2007). Martin a participé à plus de cinquante expositions individuelles et collectives au Canada et à l’étranger. Parmi celles-ci, nommons sa participation au Symposium de la jeune peinture de Baie-Saint-Paul en 1986 et à la Manif d’art 8 en 2017. Elle a remporté en 2014 le prix Videre Création en arts visuels. Ses œuvres font partie des collections de la Banque Nationale du Canada, de Bibliothèque et Archives Canada, de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada et du Musée national des beaux-arts du Québec. Elle a également réalisé plusieurs œuvres d’art public au Québec. Martin vit et travaille à Québec et y est représentée par la Galerie 3.
Luanne Martineau
Luanne Martineau est née à Saskatoon en 1970. Elle étudie au Nova Scotia College of Art and Design et au Alberta College of Art and Design avant d’obtenir une maîtrise en arts visuels de l’Université de la Colombie-Britannique (1995). Sa pratique sculpturale déconstruit la hiérarchisation des arts en confrontant des procédés artisanaux aux idéologies modernistes. Elle a notamment exposé au Musée des beaux-arts du Canada, à la Vancouver Art Gallery, à la galerie d’art contemporain Power Plant de Toronto, au Banff Centre, au Massachusetts Museum of Contemporary Art et au Musée d’art contemporain de Montréal. Martineau a reçu le prix Viva de la Fondation Jack et Doris Shadbolt (2007) et a été finaliste au prix Sobey pour les arts (2009). Ses œuvres sont intégrées aux collections du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée des beaux-arts du Canada et de la Vancouver Art Gallery. Elle vit et travaille à Montréal, où elle enseigne à l’Université Concordia. Elle est représentée par la galerie TrépanierBaer, à Calgary.
Jean-Marc Mathieu-Lajoie
Jean-Marc Mathieu-Lajoie est né en 1950 à Québec. Après avoir exposé pour la première fois à l’Université Laval, à Québec, en 1972, il présente ses œuvres au Musée du Québec en 1973. Il s’absente trente ans du milieu par la suite, pour revenir en 2003 lorsqu’il participe à la Manif d’art 2. Grand collectionneur et « détourneur » de casse-tête et d’objets à caractère religieux, il est vite reconnu pour son travail d’une méticulosité vertigineuse. Il est sélectionné en 2005 par le Musée d’art contemporain de Montréal pour participer à l’exposition collective L’Envers des apparences. Mathieu-Lajoie expose à Marseille en 2007. En 2008, il présente son travail à la Galerie des arts visuels à Québec, il fait partie de la Biennale de Liverpool en Angleterre et il est inclus dans une exposition collective au Musée national des beaux-arts du Québec. En 2011, il expose à la Villa Bagatelle à Québec. Mathieu-Lajoie vit et travaille à Québec.
Gilles Mihalcean
Gilles Mihalcean est né à Montréal en 1946. Artiste autodidacte et bricoleur d’objets doué pour le travail manuel, il amorce sa carrière comme sculpteur professionnel en 1968. Mihalcean a tenu depuis une quinzaine d’expositions individuelles importantes et a aussi présenté son travail à l’occasion de nombreuses expositions collectives significatives. Il est également reconnu pour sa pratique en art public qui compte à ce jour une dizaine de projets. Ses œuvres se retrouvent dans les collections du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, de l’Art Gallery of Nova Scotia, de l’Art Gallery of Windsor et de la Banque d’œuvres d’art du Conseil des arts du Canada. Mihalcean a remporté plusieurs prix, dont la prestigieuse bourse de carrière Jean-Paul-Riopelle du Conseil des arts et des lettres du Québec en 2004 ainsi que le prix Paul-Émile-Borduas en 2011. Il est représenté par la galerie Laroche/Joncas, à Montréal.
Chris Millar
Chris Millar, né en 1977 à Claresholm en Alberta, est reconnu pour ses œuvres aux multiples références populaires et aux accumulations démesurées de détails. Il détient un baccalauréat du Alberta College of Art and Design (2000). Millar a présenté son travail à l’occasion de nombreuses expositions individuelles et il a été sélectionné pour de grands survols de l’art canadien tels que It Is What It Is au Musée des beaux-arts du Canada (2010), Oh, Canada au Massachusetts Museum of Contemporary Art (2012) et Le Projet Peinture : un instantané de la peinture au Canada à la Galerie de l’UQAM (2013). Il a été finaliste, en 2005 et en 2007, au Concours de peintures canadiennes de RBC. Les œuvres de Millar sont présentes dans les collections de l’Alberta Foundation for the Arts, de l’Art Gallery of Alberta, du Glenbow Museum à Calgary et du Musée des beaux-arts du Canada. Il vit et travaille à Montréal. Il est représenté par la galerie TrépanierBaer, à Calgary.
Mitch Mitchell
Né en 1978 à Springfield, en Illinois, Mitch Mitchell possède une double formation en estampe et en ingénierie mécanique. Il a été sélectionné pour représenter le Canada à la Biennale internationale d’estampe du Douro au Portugal en 2010 et en 2012 ainsi qu’à l’exposition de gravures canadiennes contemporaines au Musée national des beaux-arts de Chongqing en Chine, en 2011. Il a remporté plusieurs prix nationaux et internationaux pour son travail qui se trouve dans de nombreuses collections muséales, dont celles du Musée des beaux-arts de Boston, de l’Art Gallery of Nova Scotia, du Musée d’art contemporain de Serralves au Portugal et du Musée des beaux-arts de l’Alberta. Il a participé à de multiples expositions individuelles et collectives au Canada et à l’étranger, notamment au Musée des beaux-arts de la Nouvelle-Écosse, à la Kelowna Art Gallery, à la galerie dc3 Art Projects (Edmonton), à Sporobole, centre en art actuel (Sherbrooke), à la Galerie Nicolas Robert (Montréal) et au Centre d’artistes Vaste et vague (Carleton). Mitchell habite et travaille à Montréal. Il est représenté par les galeries dc3 Art Projects, à Edmonton, et Nicolas Robert, à Montréal.
Geneviève Moisan
Geneviève Moisan est titulaire d’une maîtrise en arts visuels, concentration en fibres et pratiques matérielles, de l’Université Concordia de Montréal (2016). Sa pratique artistique se concentre sur la recherche technique et sur l’analyse critique des sociétés à l’ère de l’hypermodernité. Moisan participe à l’incursion des métiers d’art dans le monde de l’art contemporain en mettant ses capacités techniques au service d’artistes visuels. Son travail a été présenté à Montréal, à Venise, à Paris, à Oaxaca, à Milwaukee et à Mississauga.
Didier Morelli
Titulaire d’un baccalauréat de l’Université Concordia à Montréal (2011) et de maîtrises de l’Université de Toronto (2012) et de l’Université Simon Fraser de Vancouver (2014), Didier Morelli est aujourd’hui candidat au doctorat en performance à l’Université Northwestern d’Evanston, en Illinois. Né en 1989, l’artiste interdisciplinaire se concentre sur la performance et le relationnel. Il a présenté son travail au Canada, aux États-Unis, en Israël, en Islande, en Nouvelle-Zélande, au Chili et en Argentine.
François Morelli
François Morelli est né à Montréal en 1953. Il obtient son baccalauréat à l’Université Concordia à Montréal (1975) et une maîtrise à l’Université Rutgers au New Jersey (1983). Il développe depuis une pratique qui relève de l’installation, du graphisme, de la sculpture et de la performance où le corps et son environnement sont mis en jeu. Le travail de Morelli a été présenté au Canada, aux États-Unis, en Europe, en Amérique du Sud et en Asie. Il a exposé, entre autres, au Musée du Québec (1979), au Musée d’art de Joliette (1980), au Musée régional de Rimouski (1988), au Centro di Cultura Canadese en Italie (1989), à la Horodner Romley Gallery de New York (1994, 1995), à La Vitrine en France (2004) ainsi qu’à la Galerie Joyce Yahouda (2006, 2008) et au 1700 La Poste (2017) à Montréal. Ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et publiques au Canada et aux États-Unis, dont celles du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec et de la Corcoran Gallery of Art (Washington). Morelli est lauréat du Prix d’excellence de la Biennale de dessin et d’estampe d’Alma (1993) et du prix Louis-Comtois de la Ville de Montréal (2007). Il vit et travaille à Montréal.
Nadia Myre
Née en 1974, Nadia Myre est membre de la nation Anishinabeg Kitigan Zibi. Son travail porte essentiellement sur les thèmes de l’identité, de la langue, du désir et de la perte. Elle est diplômée du collège Camosun de Victoria (1995), de l’Université d’art et de design Emily Carr de Vancouver (1997) et de l’Université Concordia de Montréal (2002). Elle est lauréate du Prix à la création artistique du Conseil des arts et des lettres du Québec (2009), du prix Les Elles de l’art du Conseil des arts de Montréal (2011) et du prix Sobey pour les arts (2014) après avoir été sélectionnée à quatre reprises (2011, 2012, 2013 et 2014). Myre compte à son actif plusieurs expositions personnelles et de groupe. Ses œuvres font partie des collections de la McKenzie Art Gallery de Regina, de la Ville d’Ottawa, de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada, du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée de la civilisation de Québec et du Smithsonian National Museum of the American Indian. Myre est représentée par la galerie Art Mûr à Montréal.
Clint Neufeld
Né à Saskatoon, en Saskatchewan, en 1975, Clint Neufeld transforme des objets issus de passe-temps typiquement masculins en objets de contemplation esthétique par un travail de transposition matérielle et contextuelle. Après trois ans dans l’armée et une tentative échouée en tant que pompier, il termine un baccalauréat en arts visuels à l’Université de la Saskatchewan à Saskatoon en 2002, puis une maîtrise à l’Université Concordia, à Montréal, en 2006. Depuis, il participe à des expositions solos et collectives partout au Canada. Il a été sélectionné pour prendre part à la Manif d’art 7 en 2014 à Québec et à l’exposition itinérante d’envergure historique Oh, Canada du Massachusetts Museum of Contemporary Art (2012). Neufeld a été finaliste pour le Winifred Shantz Award for Ceramics en 2011. Son travail fait partie de plusieurs collections publiques et privées. Il vit et travaille aujourd’hui près d’Osler en Saskatchewan.
Michael Patten
Michael Patten est un artiste multidisciplinaire et un commissaire d’exposition d’origine européenne et crie. Né en 1977 à Regina en Saskatchewan et membre de la Première Nation de Sakimay, il compte à son actif sept expositions individuelles depuis sa sortie de l’Université de Regina avec un baccalauréat en peinture et en dessin ainsi qu’une mineure en histoire de l’art. L’humour est un élément récurrent dans sa pratique, qui puise dans la culture populaire des éléments assemblés en d’élégants calembours visuels afin de provoquer une réflexion sur des questions identitaires et les paradoxes contemporains. Patten a participé à un nombre déjà important d’expositions de groupe au Canada et à l’international. Sa récente apparition à l’occasion de l’événement Art souterrain, à Montréal, a été remarquée. En 2012, son travail a été présenté dans une des expositions satellites de la Manif d’art de Québec. De plus, le Musée McCord proposait de ses œuvres dans l’exposition permanente Porter son identité : la collection Premiers Peuples, en 2017. Il vit et travaille à Montréal.
Dominique Pétrin
Née en 1976, Dominique Pétrin est une artiste multidisciplinaire autodidacte installée à Montréal. Elle a été sélectionnée par le Conseil des arts et des lettres du Québec pour des résidences de création à Kangiqsujuaq au Nunavik (2011) et au Banff Centre (2015). Elle a également été choisie pour représenter le Canada à l’Art OMI International Residency dans l’État de New York (2014). Membre du groupe Les Georges Leningrad, Pétrin a collaboré, au cours de sa carrière, avec des artistes de renom, tels que Sophie Calle, Pil & Galia Kollectiv, Pierre Lapointe et Banksy, et avec les chorégraphes Antonija Livingstone, Stephen Thompson et Jennifer Lacey. Elle a notamment participé au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (2011) et à la Triennale québécoise (2012). Finaliste au Prix du CALQ – Œuvre de l’année à Montréal en 2013 et sélectionnée pour le prix Sobey pour les arts en 2014 et le prix Louis-Comtois de la Ville de Montréal en 2017, Pétrin a présenté son travail au Canada, en France, aux États-Unis, en Belgique, en Palestine et au Royaume-Uni. Elle est représentée par la Galerie Antoine Ertaskiran à Montréal.
Olivier Roberge
Formé en ébénisterie artisanale, Olivier Roberge confectionne des paysages sculpturaux miniatures en employant une méthodologie tirée du savoir-faire des maquettistes pour ériger des mondes poétiques. Né à Québec en 1981, il vit et travaille désormais à Montréal. Roberge a participé à des expositions collectives à Québec au Centre Materia (2009, 2016), à la Galerie Morgan Bridge (2011), à Regart, centre d’artistes en art actuel (2013), à la Galerie 3 (2015) et à L’œil de poisson (2017) ainsi que dans le contexte de la Foire en art actuel (2013), de Canadian Bacon (2016, 2017), de Dialogue 2 (Canadian Bacon et Galerie Lacerte art contemporain, 2016) et de la Manif d’art 8 (2017). Il a également exposé à Montréal à Espace Projet (2011) et à Circa art actuel (2017), en plus de participer à la Foire d’art contemporain de Saint-Lambert (2015, 2016, 2017), où il a remporté le Prix du public (2016). Ses œuvres font partie de collections privées et de celles du Conseil des arts et des lettres du Québec, de Desjardins et d’Affaires mondiales Canada.
Jérôme Ruby
Jérôme Ruby est né en France en 1971. Il s’intéresse aux dynamiques des rapports sociaux, qu’il explore, à travers les arts plastiques, par le potentiel critique de l’imaginaire. Il a fait ses études en arts à l’École régionale des beaux-arts de Saint-Étienne (1993), à l’École supérieure d’art du Havre (1999), puis au Fresnoy – Studio national des arts contemporains (2002) avant de s’installer à Montréal en 2003. Depuis, Ruby a présenté son travail à la Galerie Donald Browne de Montréal, au Lobe et au Centre Bang de Chicoutimi, à la Fonderie Darling de Montréal et au Lieu de Québec. Il a participé à des expositions collectives au Grand Palais à Paris, au Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, au Musée national des beaux-arts du Québec, au Centre Phi de Montréal et à l’Institut français du Japon à Yokohama. Ses œuvres font partie des collections de la Médiathèque du Fresnoy, du Musée national des beaux-arts du Québec (collection Prêt d’œuvres d’art) ainsi que de collections privées en France, aux États-Unis et au Canada.
Brendan Lee Satish Tang
Brendan Lee Satish Tang est né en 1975 à Dublin de parents d’origine chinoise, indienne et trinidadienne qui migrent en Colombie-Britannique dès son jeune âge. Diplômé de l’Université Southern Illinois à Edwardsville (2006), Tang a notamment exposé son travail à la Biennial of the Americas de Denver, à la galerie d’art contemporain Power Plant de Toronto, à la Vancouver Gallery, au Musée des beaux-arts de Boston, au Musée d’art contemporain de Montréal et au Nelson-Atkins Museum of Art au Kansas. Il a été finaliste au prix Sobey pour les arts en 2010 et a remporté le Winifred Shantz Award for Ceramics en 2010, le RBC Emerging Artist People’s Choice Award en 2012 et le Prix de la Ville de Vallauris, section Contenant à la Biennale internationale de Vallauris – Création contemporaine et céramique en 2016. Ses œuvres font partie des collections du Seattle Art Museum, du Musée Ariana à Genève, de la Maison du Canada à Londres et de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada. Tang vit et travaille aujourd’hui à Vancouver et y est représenté par la Gallery Jones.
Stephen Schofield
Stephen Schofield est né en 1952 à Toronto. Il détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université de Toronto (1975) et une maîtrise en arts visuels de l’Université Concordia de Montréal (1982). L’exploration du corps humain est centrale dans sa pratique artistique, déclinée en diverses techniques, notamment la céramique. Son travail a entre autres fait l’objet d’expositions individuelles au Musée régional de Rimouski, à la galerie d’art contepomrain Power Plant de Toronto et au Musée des beaux-arts du Canada. Il a également participé à des expositions collectives importantes à la Biennale de Montréal, au Musée d’art de Joliette, au Musée d’art contemporain de Montréal et au Musée national des beaux-arts du Québec. Schofield est lauréat du prix Louis-Comtois de la Ville de Montréal (2004). Ses œuvres font partie des collections du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée des beaux-arts du Canada et de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada. Schofield vit et travaille à Montréal.
Barbara Todd
Barbara Todd est née en 1952 à Cambridge et détient un baccalauréat en arts visuels de l’Université de Guelph, en Ontario (1975). Elle est reconnue pour sa pratique interdisciplinaire alliant des considérations tant politiques que poétiques à un savoir-faire textile engagé. Ses séries de courtepointes ont fait l’objet d’expositions d’envergure présentées sur l’ensemble du territoire canadien. Parmi celles-ci, une des plus notoires est l’exposition itinérante Barbara Todd: Security Blankets, organisée par la Southern Alberta Art Gallery et présentée en tournée pancanadienne de 1992 à 1995. Le travail de Todd est représenté au sein de nombreuses collections privées et publiques, dont celles du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada, de la Vancouver Art Gallery, de la Winnipeg Art Gallery et du Musée canadien de l’histoire. Todd partage son temps entre Montréal et Troy (New York) et est représentée par la galerie Art Mûr.
Anna Torma
Anna Torma est née en 1952 à Tarnaörs en Hongrie. Après avoir fait des études en arts textiles à l’Université hongroise des beaux-arts à Budapest (1979). Elle immigre au Canada en 1988 et développe une pratique artistique axée sur la réalisation de grandes broderies et de collages. Le travail de Torma a été présenté au Canada et à l’international. Récemment, elle exposait au 1700 La Poste, à Montréal, dans Les Mythologies singulières (2016). Membre de l’Académie royale des arts du Canada, elle a remporté le prix Strathbutler de la Fondation Sheila Hugh Mackay (2008) et le Prix du Lieutenant-gouverneur pour l’excellence dans les arts (2014). Ses œuvres font partie des collections du Museum of Arts and Design de New York, d’Affaires mondiales Canada à Ottawa, de la Mount Saint Vincent University Art Gallery à Halifax, de la Banque d’œuvres d’art du Nouveau-Brunswick à Fredericton et du Mint Museum of Craft and Design à Charlotte en Caroline du Nord. Elle vit et travaille à Baie-Verte au Nouveau-Brunswick depuis 2002.
Faites-nous part de vos commentaires